jueves, 8 de octubre de 2009

INTRODUCCION

Todos soñamos con llevar a cabo proyectos que dejen a público con la boca abierta, y en este caso hablo de forma literal, porque en todos los años de mi vida no he visto a una audiencia reíse tanto (y llorar tanto) como la combinación de estas dos óperas geniales del siglo XX.
Tienen en común esa dulzura que transmiten las cosas con las que todos nos podemos sentir identificados.
La voz humana, con el genial texto original de Cocteau, y aunque sólo fuera por eso, nos hace descubrirnos a nosotras mismas, en femenino... y a todos esos hombres impresentables que, en algún momento, han estado al otro lado del teléfono abandonándonos, seguramente por una mujer más joven. La angustia real que transmite la soledad de la protagonista se nos mete en el alma, y la música magistral de Poulenc acompaña el monólogo aumentando la trascendencia de esa noche en la que todas, finalmente, comprendemos que la imagen que nos devuelve el espejo ya no es la misma y que somos "pasto de las llamas".
El secreto de Susana tiene uno de los textos más hilarantes de la historia de la ópera, hasta el espectador más despegado del género acabará riéndose. La historia es la opuesta, un matrimonio recién casado, un marido que ve amantes por todas las esquinas y una mujer que sólo pretende tener un capricho: fumarse un cigarrillo.
La confusión es tal que Susana, pensando que él sabe de que están hablando del vicio de fumar (y no del otro), llega a asegurarle a Gil (¡vaya nombre para un "pringao"!) que todas las mujeres lo hacen, incluso su madre... con el evidente asombro de su esposo a quien no le parece nada correcto que la afición de tener un amante sea tan normal entre el género femenino.
El éxito está asegurado, y la asistencia de ese público será segura siempre que mantengamos un nivel excelente en lo que respecta a los intérpretes. Elisabete Matos, Isabel Rey, Michelle Canniccioni, Javier Franco ya se han apuntado al proyecto... Castro, como director de escena, nos asegura una puesta novedosa (de las suyas, de las de gran director de teatro... ideas, no muebles caros), Lorenzo Ramos tiene mucho que decir de la música del siglo XX, repertorio que adora y que quiere que adore el público, el vestuario de Lorenzo Caprile, la decoración de interiores de Iraida Domecq y la iluminación de Albert faura... y la orquesta, más que un personaje en toda esta historia, que tiene que llevar el peso de dos partituras espléndidas... Entre todos haremos un proyecto común para el peor año de crisis que vamos a ver en la historia de nuestra vida (esperemos...).
Susana Lozano

martes, 15 de septiembre de 2009

INTRODUCCION AL SECRETO DE SUSANA

IL SEGRETO DI SUSANNA (1909)
Il Segreto di Susanna es un “tributo” al género que Pergolesi inauguró a principios del s. XVIII con “La Serva Padrona” y que fue el germen de la ópera napolitana dieciochesca, cuyos máximos exponentes fueron Cimarosa, Mozart y Rossini. Pero no sólo en lo musical, también es un tributo en cuanto a su estructura (una soprano, un barítono y un actor mudo) y argumento. Además, a lo largo del desarrollo de la obra, encontramos otras "coincidencias" que rinden homenaje a otros compositores herederos también de la misma tradición. En efecto, los personajes del conde y la condesa recuerdan a los protagonistas de "Le Nozze di Figaro" y al final se hace referencia al Falstaff verdiano cuando comentan "Tutto è fumo a questo mondo", haciendo expresa alusión a "Todo en el mundo es burla". Como la mayor parte de obra de Ernano Wolf-Ferrari, “Il Segreto di Susanna” sigue siendo desconocida para el público operófilo, a pesar de que contenga todas las características necesarias para obtener el aplauso. Este “intermezzo” es un ejemplo del estilo ecléctico (pero no por ello difuso) del compositor. Su lenguaje es heredero de la estética de la “Giovane Scuola Italiana”, cercano a contemporáneos como Zandonai; pero en él, también está muy presente la influencia de otras corrientes musicales anteriores y contemporáneas, como la Secesionista (Franz Schreker, Richard Strauss…) o el impresionismo francés.




Javier Franco e Isabel Rey en el estreno de Il segreto di Susanna en el Teatro Cervantes de Málaga

lunes, 14 de septiembre de 2009

ARGUMENTO DEL SECRETO DE SUSANA

La escena tiene lugar en un elegante salón en casa del conde Gil. Este entra de su paseo, agitado porque cree haber visto en la calle a una mujer vestida igual que su esposa que, por expreso deseo de él mismo, nunca sale sola de la casa en su ausencia.
Apenas se ha adentrado en otros aposentos, llega su esposa de la calle vestida exactamente como su esposo la ha descrito, le entrega misteriosamente un paquetito su criado Sante y, tras cerciorarse de que su marido se encuentra en la casa, se retira ella también a sus habitaciones.
Inmediatamente regresa Gil, quien comprueba que Susana está en casa y, por lo tanto, todo ha sido un error suyo. Pero, de pronto, éste percibe un claro olor a tabaco y, si él no fuma, Susana tampoco, y la servidumbre no se permitiría tal familiaridad, ¿quién es, entonces, el fumador? El demonio de los celos se despierta en la cabeza de Gil de modo que, cuando su mujer sale de sus habitaciones y lo saluda cariñosamente, éste la somete a un interrogatorio que acaba por turbarla y por hacer que se enfade de verdad con un marido que, hasta ahora, nunca se había atrevido a hablarle de ese modo. Al final, Susana se lo lleva a su terreno con arrumacos pero, cuando Gil va a abrazarla, el olor a tabaco se hace más claro y persistente, con lo cual éste se convence de que su esposa le engaña con otro hombre. Ella, por su parte, está convencida de que su bien guardado secreto ha sido descubierto.
En un arrebato de rabia y de celos, el conde comienza a romper con todo lo que se encuentra a su paso y luego se marcha al círculo de amigos, no sin antes planear una repentina vuelta para “pescar in fraganti” al amante fumador.
Susana, por fin sola y tranquila, le pide a Sante el paquetito y, sacando de éste un cigarrillo, comienza a fumar con fruición. Inesperadamente, sin embargo, llama a la puerta el marido y esto le obliga a esconder el cigarrillo y al criado detrás de las cortinas.
El olor a tabaco es ahora tan evidente que Gil, furibundo, llama a Sante para que le ayude a registrar la casa y sacar de su guarida al seductor de su esposa.
La búsqueda, naturalmente, resulta infructuosa y Gil vuelve a marcharse para esperar mejor ocasión. Susana y Sante fuman de nuevo y ésta hace un largo elogio del placer del tabaco cuando, esta vez por la ventana, Gil se precipita en la habitación y sorprende a su esposa en pleno vicio. Ya no hay secreto, pero tampoco amante, ante lo cual Gil, realmente aliviado, perdona a su esposa la pequeña falta y decide fumar también él para acompañarla. Ambos encienden sus cigarrillos y, cogiéndose de las manos, bailan alegres mientras cae el telón.


sábado, 15 de agosto de 2009

INTRODUCCION A LA VOZ HUMANA

LA VOIX HUMAINE (1959)
Un diván, una alfombra, una lámpara y el teléfono: la escena queda configurada con estos pocos elementos; los necesarios para trazar la etopeya de una mujer que, durante el transcurso de la obra, va pasando de la espera, a la esperanza, a la desesperanza y a la desesperación. Poco a poco, se nos va desentrañando el drama de una mujer abandonada por su amante con quien mantiene durante toda la representación una conversación telefónica en la cual vamos conociendo gradualmente los motivos de la ruptura, a la vez que se nos desvela el mundo interior de la protagonista.
“La voix humaine”, última obra lírica del compositor Francis Poulenc, con texto de Jean Cocteau, resulta ser un ejemplo de total integración de escena, música y texto. Cada gesto, cada palabra, cada respuesta de la orquesta, conforman un monólogo (o falso diálogo) que explora el alma de la protagonista. En ese sentido, quizás lo más interesante de la obra sea el uso del circunloquio como recurso en una retórica donde cada palabra cobra un valor esencial en el discurso y cada repetición descubre nuevos detalles del único personaje en escena. Por todo ello, la soprano que aborde el papel debe poseer una variedad de registros dramáticos que pueda conducir, salvando los escollos del melodrama, al personaje por su particular geografía de soledad.
Testigo privilegiado de esta tragedia personal, el teléfono representa una esperanza última y el hilo telefónico termina siendo el único vínculo que, durante cuarenta minutos, une a dos personas a las que ya sólo les queda el abandono mutuo como resolución posible.




Elisabete Matos en el estreno del Teatro Arriaga de Bilbao



Michelle Canniccioni en el estreno en el Teatro Cervantes de Málaga


viernes, 14 de agosto de 2009

ARGUMENTO DE LA VOZ HUMANA

El libreto se ciñe a un solo personaje femenino, a quien escuchamos hablar por teléfono con su pareja, de la que se está separando. De esta manera queda configurado un dúo virtual de amor (o mejor dicho, lo que queda de él), donde una de las partes queda reservada a la imaginación del oyente. Lo que sí nos queda claro es la angustia de esta mujer, que sabe que la están mintiendo, que intenta desesperadamente no dar pena y que no ve más salida a su situación que el suicidio.




La genial Ana Magnani, dirigida por Rossellini, en el texto de Cocteau

Ingrid Bergman en La voz humana


Denise Duval

miércoles, 15 de julio de 2009

ELISABETE MATOS (LA VOIX)

Elisabete Elisabete Matos nació en Braga, Portugal, donde cursó estudios de canto y violín. Becada por la Fundación Gulbenkian, se trasladó a España para completar su formación con Ángeles Chamorro, Marimí del Pozo, Félix Lavilla y Miguel Zanetti.
Tras su debut en la Opera de Hamburgo como Alice Ford (Falstaff) y Donna Elvira en Don Giovanni (rol que volvió a cantar en Sao Carlos de Lisboa, Cuyás de Las Palmas y Palacio de Festivales de Santander) y en el Sao Carlos de Lisboa con la Micaela de Carmen, participó, en 1997, en los actos inaugurales del Teatro Real de Madrid, interpretando Marigaila en el estreno mundial de Divinas Palabras de Antón García Abril junto a Plácido Domingo.
Inmediatamente, Domingo le invita a debutar el rol de Dolly en la Washington Opera en una nueva producción de Sly de Wolf Ferrari junto a José Carreras como protagonistas. Tras su estreno, ha vuelto a cantar este rol en el Teatro Regio de Turín, en Japón con la Washington Opera y en la Opera de Roma, esta vez contando con Plácido Domingo como compañero en escena.
Ha interpretado Chimène en Le Cid de Jules Massenet en el Teatro de la Maestranza de Sevilla y en la Washington Opera, la protagonista en Margarita la tornera de Chapí (ambas junto a Plácido Domingo) en el Teatro Real; Elsa en Lohengrin en su debut en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona; Mimí en la Boheme de Puccini en el Teatro San Carlos de Lisboa; La voix humaine (Poulenc) en la Maestranza, Zaza (Leoncavallo) en el Teatro Regio di Torino y en la Opera de Nice, Elisabetta en una nueva producción de Don Carlo en el Teatro Real de Madrid y en Palermo; Amelia Grimaldi en Boccanegra, en el Teatro real de Madrid y en el Massimo Bellini de Catania, donde también intrerpretó el rol protagonista de La battaglia di Legnano, Freia de Rheingold en Turín, Opera de Roma y Liceo de Barcelona; El rol homónimo de Suor Angelica en el Palau de Valencia; Tosca en la Fenice de Venecia, en Chipre con la Arena de Verona, Massimo Bellini di Catania, en Oporto, Messina, San Carlos de Lisboa, Tokio, Maestranza de Sevilla, Cardiff y el Festival de Macerata, La Vida Breve en Lisboa, Walküre (Sieglinde) en La Maestranza de Sevilla, San Carlos de Lisboa y Liceu de Barcelona, Senta de Holandés errante en Nápoles y el Teatro Real de Madrid, Katia Kavanova y Els Pirineus en el Liceo de Barcelona, Madame Lidoine de Diálogo de Carmelitas en La Scala de Milán, dirigida por Riccardo Muti, el rol protagonista de La Dolores en el Teatro Real de Madrid, Gutrune (Goetterdammerung) y Rosa (Gaudi) en el Liceo de Barcelona, Amelia de Ballo in maschera en Nápoles y Bari, Condesa de Capriccio en Sao Carlos de Lisboa, Santuzza de Cavallería Rusticana en el Sao Carlos de Lisboa y San Carlo di Napoli, Abigaille (Nabucco) en Toulon, Norma de la ópera homónima en el Festival de Mérida y en el Villamarta de Jerez, Senta de Holandés errante en Maestranza de Sevilla, Turandot en Amberes, Gent, Villamarta de Jerez y Palau de les Arts (bajo la batuta de Lorin Maazel), Elisabeth de Tanhäuser en el Liceu de Barcelona, Minnie de La Fanciulla del West en Lucca con Maggio Musicale Fiorentino y los roles homónimos de Ifigenia en Taurige en el Campoamor de Oviedo y el Liceu de Barcelona, Giocconda en Tokio, Casandra de Troyanos en Palau de les Arts de Valencia, junto a Valery Gergiev, su debut de Lady Macbeth en la Opéra National du Rhin e Isolda, de Tristán e Isolda, en el Campoamor de Oviedo.
Tras su éxito como Minnie, de La Fanciulla del West, en el Metropolitan de Nueva York y como Abigaille en Roma bajo la batuta de Riccardo Muti, cabe destacar entre sus compromisos futuros Tosca en Santiago de Chile, Turandot en Las Palmas, Lady Macbeth en el Festival de Salzburgo y en el Metropolitan, entre otros.

ISABEL REY (SUSANNA)

Dedicada en cuerpo y alma a su vocación, el canto, la música y el teatro, la soprano valenciana Isabel Rey ha sido internacionalmente reconocida por su exquisita técnica vocal y su refinada sensibilidad como intérprete: es una de las pocas artistas hispanas que ha tenido el honor de colaborar asiduamente con el Festival de Salzburgo y su carrera se distingue por una trayectoria que la ha llevado a debutar en las capitales más importantes del circuito operístico como Viena, Múnich, Hamburgo, Berlín, Zúrich, Londres, Edimburgo, Madrid, Barcelona, Valencia, París, Los Ángeles, Washington, Estocolmo, Atenas, Nueva York, Bruselas, Moscú, Tokio, Roma, Venecia o Ámsterdam. Dueña de un amplio repertorio que abarca desde Monteverdi a Stravinsky, esta camaleónica cantante ha interpretado en dos décadas más de 55 óperas diferentes entre las que destacan Le nozze di Figaro, Lucia di Lammermoor, King Arthur, Così fan tutte, Alcina, Die Fledermaus, Die Zauberflöte, Rigoletto, Les Pêcheurs de Perles, Carmen, Don Pasquale, L’elisir d’amore, Idomeneo, Don Giovanni, Falstaff, Der Rosenkavalier, La Bohème, La Fille du régiment, Dialogues des carmelites, Pelléas et Mélisande, The Rake’s Progress, Faust, Les contes d’Hoffmann, Die Königskinder (Humperdinck) o La Grotta di Trofonio siempre bajo la batuta de grandes directores como Harnoncourt, Noseda, Santi, López Cobos, Welser-Möst, Koopman, Frühbeck de Burgos, Plasson, Viotti, Fischer, Marriner, Lombard, Zedda, Hager, Corboz, Christie, Minkowski, Biondi, Luisi o Maazel.
Desde hace dos años y como consecuencia de la evolución natural de su voz, la artista ha decidido incorporar nuevos papeles a su ya extenso repertorio entre los cuales destaca la Amelia de Simone Boccanegra de Verdi y recientemente, en diciembre del 2010, la Amalia del verdiano I Masnadieri ambos en la Ópera de Zúrich. Al mencionado coliseo suizo regresará en abril del 2011 para presentarse con otro título de Verdi que constituirá uno de sus más esperados debuts, el de Violetta, de La Traviata con Piotr Beczala, un personaje que Rey acogerá con especial ilusión: "Siempre he querido cantarla, pero es un personaje difícil y muy intenso y hay que dominar muy bien los recursos. El momento ha llegado”, comentaba la cantante en una entrevista publicada hace unos meses en el Periódico de Catalunya.
Asimismo, durante el mes de marzo y abril, la soprano encarnará por primera vez a la protagonista de Il Segreto de Susanna de Wolf -Ferrari en una gira en la que visitará el teatro Cervantes de Málaga, el Arriaga de Bilbao, el Villamarta de Jérez y el Gran Teatro de Córdoba.
.A su imparable carrera en el ámbito operístico, se une la de Liederista, disciplina que cultiva desde muy joven y que la ha llevado a participar en las temporadas más prestigiosas de Europa dedicadas a este género.
Destaca asimismo su interés por la poesía, que se ha cristalizado en la edición de un libro con textos suyos - algunos de los cuales han sido convertidos en ciclos de canciones por los compositores Antoni Parera y Antón García Abril-, o su interés por el mundo de la enseñanza y el de la divulgación, habiendo impartido Clases Magistrales en el Conservatorio de Las Palmas, en los Cursos Internacionales de Zumaia (Guipúzcoa) y el pasado agosto en el Festival Pamplona en clave de música
Isabel Rey posee una amplia videografía con trabajos para DECCA, DEUTSCHE GRAMMOPHON, WARNER, RTVE MÚSICA, ARTHAUS, TDK, DISCMEDI, en la que aparece interpretando algunos de sus más grandes éxitos junto a intérpretes de la talla de Juan Diego Flórez, José Carreras o Leo Nucci. Es colaboradora de la Fundación José Carreras para la lucha contra la leucemia y patrona de la Fundación Clarós contra la sordera profunda.

JAVIER FRANCO (CONDE GIL)

Nace en La Coruña. Estudia en la Escuela Superior de Canto de Madrid y en el Conservatorio Superior de Música del Liceu de Barcelona. Asiste además a cursos de perfeccionamiento con Alfredo Kraus, Renato Bruson, Dolora Zajick...
Ha sido ganador de diversos concursos: 'Viñas' de Barcelona, Concurso Internacional 'Francisco Alonso' de Madrid, 'Luis Mariano' de Irún, ‘Rocca delle Macìe’ Siena (Italia)...
Ha trabajado en teatros como el Liceu de Barcelona, Verdi de Sassari, Auditorio Buero Vallejo de Guadalajara, Bijloke Concert Hall de Gante (Bélgica), Auditorio de La Coruña, Zarzuela de Madrid, São Carlos de Lisboa, Campoamor de Oviedo, Comunale de Bolonia, Teatro Real de Madrid, Auditorio Nacional de Madrid, Verdi de Salerno, Biwako Hall de Otsu y Bunkamura Orchard Hall de Tokio.
Ha cantado con Renato Palumbo, Steven Mercurio, Roberto Tolomelli, Reynald Giovaninetti, Jesús López Cobos, Gomez Martinez, Ramón Torrelledó, José Luis Temes, Maurizio Benini, Nir Kabaretti...
Entre sus actuaciones más importantes cabe destacar:
"Il Trovatore" (Conte di Luna) en Italia; "Le Villi" (Guglielmo) en el Liceu de Barcelona; "Manon" de Massenet (Bretigny) y "Faust" (Valentin) en el Auditorio de La Coruña; "Jugar con fuego" de Barbieri (Marqués de Caravaca) en el Teatro de la Zarzuela de Madrid; "Il barbiere di Siviglia" (Figaro) en el Teatro Sao Carlos de Lisboa; "La Traviata" en el Liceu de Barcelona; "Babel 46" de Montsalvatge en el Teatro Real de Madrid; "Lakmé" de Delibes (Frédéric) en el Campoamor de Oviedo; "La del manojo de rosas" de Sorozábal (Joaquín), "La rosa del azafrán" de Guerrero (Juan Pedro) y "La Fattucchiera" de Vicente Cuyás en el Liceu de Barcelona; "Andrea Chénier" (Fleville) en el Comunale de Bolonia; 'Maratón Bellini' en el Liceu de Barcelona; varios conciertos de zarzuela en el Campoamor de Oviedo y en el Auditorio Nacional de Madrid; "Il Trovatore" y "Luisa Miller" en Tokio, con el Teatro San Carlo de Nápoles.
Javier Franco ha debutado también en "La Bohème" (Marcello), "Roberto Devereux" (Duca di Nottingham), "La Rondine" (Rambaldo), "Pagliacci" (Silvio), "Luisa Millar" (Miller), "Traviata" (Germont), "Carmina Burana", "El centro de la tierra" (Gran sacerdote), "El retablo de Maese Pedro" (Don Quijote), "Don Pasquale" (Dottore Malatesta).
Últimas actuaciones: “Don Giovanni” (Don Giovanni) en Riga (Letonia); “Maria di Rohan” Donizetti (Enrico) en Viena; “Un ballo in Maschera” (Renato) en el Teatro Campoamor de Oviedo; “Bohème” (Marcello) en el Festival de Peralada; "O Arame" en el Festival de La Coruña"; ”Pan Y Toros” (Capitán Peñaranda) Teatro Municipal de Santiago de Chile; “La Figlie du Regiment” (Sulpice) Mallorca; “Katiuska” (Pedro) en el Teatro Calderón de Valladolid y en el Teatro Campoamor de Oviedo; “La del Manojo de Rosas” (Joaquín) Las Palmas; "La Bohème" (Marcello) en el Teatro Sociale de Rovigo (Italia) y en La Coruña; "Le Villi" en Jerez de la Frontera; "Marina" (Roque), de E. Arrieta, en Palma de Mallorca; "Lucia di Lammermoor" en Graz (Austria)...

martes, 14 de julio de 2009

MICHELLE CANNICCIONI (LA VOIX)

Nacida en Córcega, Michelle Canniccioni estudió música en la École Nationale de Musique en Bastia con Anne-Marie Grisoni y después en el Conservatorio de Marsella en la clase de Tibère Raffali.
Ganó unánimemente el Segundo Gran Premio de la ciudad de Marsella.
En 1995 tomó parte en el Concurso de Canto Alès y ganó el Primer Premio. Más tarde siguió las clases magistrales de Robert Massard y A. Lance con el resultado de su debut en Micaela en el Festival de verano de Savoya.
En 1996 Michelle Canniccioni entró en el Centro de Perfeccionamiento de la Ópera de París, estableciéndose allí al año siguiente para formar parte en los elencos de varias producciones: Madama Butterfly, Parsifal, Rigoletto, Le Nain, L’Enfant et les Sortilèges, Parsifal, Rigoletto, Die Zauberflüte, La Boheme y Carmen. Fue allí donde conoció a grandes directores con quien llevó a escena los papeles de Fiordiligi, Tatiana y Violetta.
También estrenó el rol de Junon (Platée), dirigida por Marc Minkowski en el Théâtre de Caen. En 2000 apareció como Kate en Madama Butterfly en Tokio, en una puesta en escena de Robert Wilson. Al mismo tiempo, siguió avanzando en sus estudios en el CNIPAL de Marsella.
El año 2000 se caracterizó por sus estrenos: Suzel en L’amico Fritz, Micaela (Carmen) y Liu (Turandot) en la Opéra National du Rhin. Asumiendo roles más contemporáneos, fue Silena en la Medea de Rolf Liebermann en 2002 en La Bastilla. Interpretó también la Primera Ninfa en la magnífica producción de Rusalka de la Opera Bastilla dirigida por James Conlon. El mismo año fue invitada dos veces por la Opera de Marsella para Ariadna auf Naxos y Louise.
En 2003, en Sevilla, Michelle Canniccioni estrenó el rol de Blanche (Diálogo de Carmelitas). Con este mismo rol hizo su debut en La Scala de Milán en 2004, bajo la dirección de Riccardo Muti.
Tras su éxito en La Scala, fue requerida por Michel Plasson para interpretar Micaela. También cantó ese rol en el Festival de Glyndebourne y cantó imi por primera vez en un tour por Inglaterra. En Siena fue Hébé, el rol principal de La Ville Morte de Nadia Boulanger, en el estreno absoluto de la obra.
En 2005 Michelle Canniccioni fue invitada por la Ópera de Saint Étienne para cantar Blanche y regresó a la Bastilla con la Primera Ninfa de Rusalka. Al mismo tiempo, añadió a su repertorio un papelñ muy importante para su carrera: Ella, de La Voix Humaine de Poulanc. Lo cantó por primera vez en Holanda con el gran director Marc Soustrot.
En 2006, enriqueció su repertorio: tras Mimí para la Ópera de Massy, hizo su debut en Missia (La viuda alegre) para la Ópera de Liège en la producción de Jérôme Savary. En Liège también cantó la Margarita del fausto. Ese mismo año interpretó la Misa de la Coronación de Mozart y el Gloria de Poulanc en Niza bajo la batuta de Marco Guidarini. Fue también Leonora en el Fiesque de Lalo para la Radio France y el Festival de Montpellier con Roberto Alagna y dirigida por Alain Altinoglu.. Hizo su debut en Lauretta (Gianni Schicchi) bajo la dirección de J. Neschling (Sao Paulo). Finalmente, estrenó Donna Elvira del Don Giovanni en la Ópera de Avignon.
En 2007, Michelle Canniccioni regresó a Montpellier para asumir un nuevo rol: Susanna en el Secreto de Susana de Wolf Ferrari, una producción que fue llevada en tour hasta Santa Cruz de Tenerife. También hizo su debut en La Vie Parisienne en la Ópera de Lyon.
El año 2008 confirmó su trayectoria y fue invitada de nuevo a cantar Margarita de nuevo en Burdeos y el maestro Neschling la llevó de nuevo a Río para La Voix Humaine. Marsella la invitó para La viuda alegre.
En febrero de 2009 hizo su debut como Antonia en Los cuentos de Hoffmann en Avignon. El director Jonathan Schiffman la invitó también para el concierto de año nuevo en enero de 2010 y el Stabat Mater de Pergolesi en abril del mismo año.
Hasta su regreso a Avignon, hizo una gira por Brasil de gran éxito cantando la Misa en do de Beethoven. Volvió entonces a Córcega para un recital de canción italiana.
En 2010 ha cantado en enero Antonia de Los cuentos de Hoffmann en Montecarlo, rol que repite en enero de 2011 en Massy, La Voix Humaine en San Etienne y el Stabat Mater de Pergolesi en Avignon.

NIGEL LEACH (SANTE)


Nigel Leach estudió Arte Dramático en Londres, en la prestigiosa Royal Academy of Dramatic Art, (RADA) donde gano el premio en memoria de William Poel, después de estudiar Diseño Teatral en Central School of Art & Design.
En su dilatada carrera como actor, ha trabajado en el West End de Londres y el Royal National Theatre protagonizando musicales como “Me and My Girl”, “Budgie”, “Heaven’s Up” así como teatro clásico en que destaca “King Lear”, “Twelfth Night”, “La Ratonera” y “Fuente Ovejuna” durante Expo ’92 en Sevilla.
En la gran pantalla, ha protagonizado dos películas de Bharat Nalluri: “Killing Time” y “Pressganged”, con Steven Spielberg trabaja en “El imperio del sol”, dando vida a Denton Krane, y con Ridley Scott interpreta Hospitaller Clerk en “El reino de los cielos”.
También ha trabajado en series de televisión para la BBC, Thames TV, en algunas de ellas como protagonista, como “Strangers and Brothers”, “Home to roost”, “Fortunes of War”, “A Bit of a Do” etc.

lunes, 13 de julio de 2009

LORENZO CAPRILE (FIGURINISTA)

Estudió en el Fashion Institute of Technology de Nueva York y en el Politécnico Internacional de la Moda de Florencia. Además, es licenciado en Lengua y Literatura por la Universidad de Florencia.
A partir de 1986 empezó a trabajar para distintas firmas italianas y españolas de tan reconocido prestigio como son Ratti, Lancetti, Grupo Finanziario Tessile, Cadena y Lienzo de los Gazules. Actualmente, tiene su propio taller y es, sin duda, uno de los modistos españoles de mayor trayectoria internacional.
Aficionado a las artes desde niño, ha colaborado como figurinista en los cortos Los Amigos del Muerto (Iciar Bollain- 2005), Todas (José Martret- 2007) y Test (Marta Aledo and Natalia Mateo-2007), en la película La Dama Boba (Manolo Iborra- 2006); en las obras de teatro As Bees in Honey Drown (Douglas Carter Beane- 2007), La Ilusión (Pierre Corneille- Tony Kushner- 2007), El Perro de Hortelano (Lope de Vega- 2007), y para la Compañía Nacional de Teatro Clásico en Don Gil de las Calzas Verdes (Tirso de Molina- 2006), Las Bizarrías de Belisa ( Lope de Vega-2007), Las Manos Blancas no Ofenden (Calderón de la Barca- 2008), La Estrella de Sevilla (Lope de Vega- 2009) y La Moza de Cántaro (Lope de Vega- 2010). Ha trabajado también para los ballets Amargo (Rafael Amargo 2005) y Rojo y Rosa (Agustín Carbonell “El Bola”- 2010) y en las óperas Il Re Pastore (Mozart -2007), en el festival de Opera de La Coruña, Orpheus (Monteverdi - 2007), en el Festival Internacional de Santander y Rigoletto (Guiseppe Verdi- 2009) en el Teatro Real de Madrid.
Ha recibido numerosos premios, como el Festival Solidario de cine Español de Cáceres, Los premios Clásicos de Almagro (2008), por su trabajo en Las Manos Blancas no Ofenden; el ACE AWARDS (2007), New York Association of Latin Entertainment Critics, por La Dama Boba, el ADE (Scenic Designers Association), Madrid 2006 por Don Gil de las Calzas Verdes, en 2006 el Biznaga de Plata en el Festival de Málaga por La Dama Boba, también en el 2006 el de Instituto de Moda de la Politécnica de Florencia y en 2004 el más prestigioso de la moda española, el de mejor diseñador del año recibido por la revista Telva.

sábado, 11 de julio de 2009

JOSE LUIS CASTRO (DIRECTOR DE ESCENA)

Nacido en Sevilla, comienza su actividad profesional en el mundo del teatro en 1975, en la Compañía de Teatro Mediodía de Sevilla. En 1980, forma junto a otros profesionales la Compañía de Teatro El Globo y en 1981 dirige Fantasía para un juguete roto, con la que representa a España en el Festival Internacional de Teatro de Lyon de 1982. En enero de 1983 se estrena la segunda producción de la compañía, la obra Pay Pay, del actor catalán Pepe Rubianes. Ese mismo año dirige la obra del autor Washington Irving Cuentos de La Alhambra. En 1985, es invitado a colaborar con la Diputación de Valencia para la puesta en marcha en esa ciudad de la primera Sala de Teatro con producciones propias y actividades pedagógicas paralelas, que se llamará el "Teatro de los sueños". En septiembre de ese mismo año, dirige para los teatros de la Diputación de Valencia, una versión al catalán de Fantasía para un juguete roto y en enero de 1986 se estrena la segunda producción del "Teatro de los sueños", la obra Al ritmo de los sueños de la que es coautor, director y escenógrafo. En 1986, es invitado por el Centro Dramático Nacional, a dirigir, junto con Lindsay Kemp, Joan Baixas, José Luis Alonso y Lluís Pasqual, una de las cinco piezas (La Doncella, El Marinero y El estudiante) que, bajo el título 5 Lorcas 5 se estrenó en el Teatro María Guerrero de Madrid. En diciembre de ese mismo año dirige para la Compañía de Teatro El Globo, la obra Jojo, del autor Michael Ende. A partir de 1987, desempeña el cargo de Director del Teatro Lope de Vega de Sevilla y desde Noviembre de 1989, se encarga de elaborar la programación que EXPO´92 realizó en dicho teatro durante la Exposición Universal. Paralelamente a esta actividad, realizó la puesta en escena de espectáculos como Testamento Andaluz, interpretado por Antonio Gala y música de Manolo Sanlucar, Los hijos del hambre de José Luis Ortiz Nuevo y El Concierto Mayor de Arte Flamenco estrenado en el Festival Internacional de París en junio de 1989. En noviembre de 1989 dirige para el Centro Andaluz de Teatro Ligazón, una de las tres piezas del Retablo de la lujuria, la avaricia y la muerte de Ramón del Valle-Inclán. En mayo de 1991 dirige en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, dentro de las jornadas de inauguración, la Gala Lírica, en la cual intervienen grandes figuras como Montserrat Caballé, Teresa Berganza, Plácido Domingo y José Carreras entre otros. Dentro del mismo programa inaugural, dirige el espectáculo Concierto Mayor de Arte Flamenco-Estrellas de la Bienal de Sevilla y en septiembre del mismo año, en el Auditorio de la Cartuja, el espectáculo Noche Flamenca. En 1992 realiza la dirección escénica y escenográfica de Mediterráneo y la puesta en escena de Casiopea, con el Ballet Nacional de Cuba. En 1993, dirige la obra El Cerdo basada en la novela de Raymond Cousse Estrategia para dos jamones, interpretada por Juan Echanove. En mayo de 1994 es nombrado por el Ayuntamiento de Sevilla, la Diputación de Sevilla y la Junta de Andalucía director del Teatro de la Maestranza de Sevilla.En 1995, por encargo de Adolfo Marsillach, dirige a la Compañía Nacional de Teatro Clásico en El acero de Madrid de Lope de Vega. En 1997, se pone en marcha en el Teatro de la Maestranza el proyecto de producir óperas relacionadas con Sevilla, dirigiendo la primera de ellas El Barbero de Sevilla, con escenografía de Carmen Laffón y dirección musical del maestro Zedda. Tras este éxito, dirige Las bodas de Fígaro, con escenografía de Ezio Frigerio, figurines de Franca Squarciapino y a la batuta Alain Lombard en la Maestranza y, posteriormente, en la temporada de A.B.A.O.Otras recientes direcciones en el ámbito de la ópera han sido Alahor en Granada de Donizetti, obra con la que cerró temporada en el Massimo de Palermo en 1998, La Boheme (Teatro de Festivales de Cantabria, Villamarta de Jerez y Baluarte de Pamplona).

MARCOS SERNA

ALBERT FAURA (ILUMINACION)

Albert Faura nació en Barcelona y estudió iluminación en el Institut del Teatre de la misma ciudad. Posteriormente, realizó un curso internacional de iluminación organizado por el British Council en Londres. Como iluminador ha trabajado en teatro, ópera, música, danza y exposiciones.
Albert Faura ha trabajado con directores y coreógrafos como Núria Espert, Adolfo Marsillach, Josep Maria Flotats, Nicolas Joel, Rafel Duran, Sergi Belbel, Alfredo Arias, Ferran Madico, Frédérico Alagna, La Fura dels Baus, Rosa Novell, Jordi Savall, Josep Maria Mestres, Joan Font, Frederic Amat, Joan Ollé, Abel Folch, Gilbert Deflo, Cesc Gelabert, Ramon Oller y Bigas Luna, entre otros y en grandes teatros como Centro Dramático Nacional, Teatro Real, Teatre Nacional de Catalunya SA, Focus SA, Fundació del Gran Teatre del Liceu, Teatro Filarmonico de Verona, Teatro de la Zarzuela, Festival de Perelada, Festival Grec de Barcelona, Festival Ruhr Triennale, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Maggio Musicale de Florencia, Colón de Buenos Aires, Opera National de Paris, Houston Grand Opera, Welsh National Opera- CARDIFF, Grand Théatre de GENÈVE y Opera de La Coruña.
A pesar de su juventud, ha sido ya galardonado con dos premios Butaca, dos premios Max y con el Premio de la Crítica de Barcelona dos años seguidos.

viernes, 10 de julio de 2009

LORENZO RAMOS

Nacido en Viena, Lorenzo Ramos, último alumno de Karl Österreicher, es licenciado en dirección por la Escuela Superior de Música de Viena. Ha participado activamente en diversos cursos de dirección con profesores tan prestigiosos como Eric Ericcson y Helmut Rilling. Es uno de los cuatro directores españoles seleccionados por el Teatro Real para participar en el taller de dirección impartido por Daniel Baremboim en Julio de 2003.
De 1997 a 1998 es Director Asistente de la Joven Orquesta Nacional de España (J.O.N.D.E.).
De 1998 a 2002 es Director Artístico y Musical de la Escolanía del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.
De 2001 a 2004 es Director Titular de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (J.O.C.M.A).
De 2003 a 2005 es Director del Coro Nacional de España, al frente del cual participa en la Boda Real de SS.AA.RR. los Príncipes de Asturias.
Durante los últimos años ha desarrollado una intensa actividad artística en España, dirigiendo las principales agrupaciones corales y orquestales del país: Orquesta y Coro Nacionales de España, Orquesta Sinfónica y Coro de R.T.V.E., Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Euskadi, Joven Orquesta de Euskal Herria, Orfeón Donostiarra, Orquesta Sinfónica de Galicia, Orquesta Real Filharmonia de Galicia, Orquesta Sinfónica de Tenerife, Orquesta y Coro Filarmónicos de Gran Canaria, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta Sinfónica Ciudad de Oviedo, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta de Cámara Ciudad de Málaga, Orquesta de Cámara “Andrés Segovia”, Orquesta Clásica de Madrid, “Cámara XXI” y “Modus Novus”.
Ha dirigido en los siguientes festivales: Art Camera Wien (Viena, 1996), XVII Festival Internacional de Música (Torroella de Montgrí, 1997), II Festival Are-More (Vigo, 2001), XI Festival Arte Sacro (Madrid, 2001), IX Ciclo de Música Contemporánea (Málaga, 2002), XIX Festival Internacional de Música Contemporánea (Alicante, 2003), XI Festival de Zarzuela de Canarias (Las Palmas de Gran Canaria, 2003), XI y XII Festival de Teatro Lírico Español de Asturias (Oviedo 2004 y 2005), XXXII Semana do Corpus (Lugo, 2004), VI Temporada de Música (Úbeda, 2004), XII Edición del Otoño Musical Soriano (Soria, 2004), XXXIII Festival Cervantino de Guanajuato (Guanajuato 2005).
Para la conmemoración del X Aniversario de la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca dirige la Orquesta Barroca y el Coro de Cámara de la Universidad en una exitosa producción de “El Mesías” de Haendel.
Durante las temporadas 2000-01 y 2002-03 dirige sendas producciones de “Così fan tutte” y “Amahl y los visitantes nocturnos” al frente de la Compañía Lírica “Arte Ópera”, así como “Pan y Toros” y “La Bruja” en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, producción ésta última, que ha dirigido en el Teatro Campoamor de Oviedo durante la temporada 2003-04. En 2005 dirige la producción del Teatro de La Zarzuela de “La Venta de Don Quijote” de Chapí y “El Retablo de Maese Pedro” de Falla, con motivo de la celebración del IV Centenario de “El Quijote”, producción en gira por Oviedo y Méjico durante la misma temporada.
Su más memorable actuación ha sido un concierto extraordinario al frente de la Orchestre de Chambre de Lausanne en el que acompañó a Teresa Berganza y a Lucero Tena, en homenaje al que fuera su Director Titular, Jesús López Cobos.
Ha colaborado, además, con otros solistas de prestigio internacional como Ainhoa Arteta, Asier Polo, Mischa Maisky, Anatol Ugorsky, Nelson Freire...
Ha grabado cuatro discos al frente de la Escolanía del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial y un disco de canciones vascas junto a Ainhoa Arteta y la Orquesta Sinfónica de R.T.V.E., para el sello discográfico R.T.V.E. Música.
Existen, además, numerosos testimonios audiovisuales de sus conciertos en los archivos de Radio Nacional de España y Televisión Española, desde sus primeras andaduras hasta nuestros días.
Su repertorio es muy amplio y abarca todos los géneros y estilos, desde el s. XVI hasta la actualidad, con especial atención a la música del s. XX y de vanguardia (ha estrenado numerosas obras de autores noveles), así como a conciertos de carácter temático (“El Jazz y los Clásicos del s. XX”, “El Humor en la Música”...).
Sus interpretaciones gozan del elogio del público y de la crítica, que lo avalan como uno de los jóvenes directores con mayor proyección dentro del panorama nacional e internacional.

ORQUESTA DE CORDOBA

La Orquesta de Córdoba es un Consorcio, creado en 1992, entre la Junta de Andalucía y el Ayuntamiento de la ciudad. Desde entonces ha ofrecido ya más de un millar de conciertos en escenarios tan diversos como la Mezquita-Catedral o el Alcázar de los RR.CC. de Córdoba, el Auditorio Nacional de Madrid, el de Cuenca, el de Almería, el “Manuel de Falla” de Granada, el de Santiago de Compostela, el de Murcia, el Baluarte de Pamplona, el Teatro Jovellanos de Gijón, el Campoamor de Oviedo, el de la Maestranza de Sevilla, el Arriaga de Bilbao, el Romea de Murcia, el Villamarta de Jerez, el Lope de Vega de Sevilla, el Monasterio de San Lorenzo del Escorial, el Palau de Altea, el Palacio de Festivales de Cantabria, el Museo de Santa Cruz de Toledo, el Megaron Concert Hall de Atenas, la National House de Praga o la Sala Dorada de la Musikverein en Viena, por citar sólo algunos de ellos.
En el curso de estas actuaciones, ha realizado primeras audiciones para Europa y España, y ha estrenado con carácter absoluto obras de numerosos compositores nacionales e internacionales.
La versatilidad de la Orquesta de Córdoba, además de poder actuar en foso y acompañar a ballets como el Andaluz de Mario Maya o el Royall Ballet de Londres, ha alcanzado a abordar un amplísimo repertorio sinfónico, desde el barroco hasta las composiciones actuales, y se ha abierto con éxito a otros campos de la música en colaboraciones con artistas como Egberto Gismonti, María del Mar Bonet, Carmen Linares, Vicente Amigo, Benito Lertxundi, Amancio Prada, Lole Montoya, José Antonio Rodríguez, Benito Cabrera, Larry Coryell, Randy Brecker, Rafael Riqueni, Manolo Sanlúcar, Tomatito, Joan Manuel Serrat, Juan Manuel Cañizares, Javier Rubial, o los grupos Ronda dos Quatro Caminhos, Medina Azahara y el Ensamble Gurrufío, a quienes la Orquesta de Córdoba ha acompañado, en directo y/o en estudio.
A lo largo de su historia, la Orquesta de Córdoba ha tenido tres directores titulares: su fundador, el maestro Leo Brouwer que, tras su marcha, en 2001, fue nombrado Director Emérito de la orquesta así como Hijo Adoptivo de la ciudad. A partir de entonces y hasta 2004, fue la directora Gloria Isabel Ramos Triano quien vino a continuar la labor del maestro Brouwer y a consolidar el trabajo realizado hasta entonces. Desde la temporada 2005/06, la dirección titular y artística la ostenta el maestro Manuel Hernández Silva
, con el que la orquesta está alcanzando sus más altas cotas.
En el apartado discográfico, la Orquesta de Córdoba ha superado ya la treintena de grabaciones publicadas (aunque tiene otras pendientes de edición) para sellos como EMI, NAXOS (Marco-Polo), SONY, GHA, VERSO, etc. incluyendo producciones extraordinarias como el doble CD+DVD con músicas para cine de Roque Baños (con quien, además, grabó la BSO del documental realizado por Carlos Saura para la Expo 2008 de Zaragoza).
Ha participado en los Encuentros Internacionales de Música Cinematográfica y Escénica de Sevilla, en el Festival Internacional “Cosmopoética” de Córdoba, en el Circuito Andaluz de Música, en los Ciclos de Música Contemporánea de Málaga, en la Bienal de Arte Flamenco de Sevilla, en el Concurso de Canto “Pedro Lavirgen”, de Priego, en el Concurso Internacional de Piano “Premio Jaén”, en el Otoño Musical Soriano, en el Festival de Música Española de Cádiz, en el Encuentro de las Artes y las Letras de Iberoamérica, de Huelva, y en diversos Festivales Internacionales de Música como los de Granada, Alicante, Lucena, Úbeda, Sanlúcar, Ayamonte, Segovia, Guadix, Santo Tirso (Portugal) o Marsella –además de ser habitual su presencia en el Festival de la Guitarra de Córdoba.
La Orquesta desarrolla una importante labor educativa y de atención a los jóvenes por medio de distintos programas como el Ciclo de Conciertos Didácticos, las colaboraciones con el Conservatorio Superior de Música, con la Universidad de Córdoba, o la puesta en marcha de iniciativas como el Concurso Internacional de Jóvenes Directores.
La Orquesta de Córdoba es miembro de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS) y, en 1999, fue nominada por la Sociedad General de Autores (SGAE) y la Asociación de Intérpretes y Ejecutantes (AIE) como “Mejor Artista Clásico” –junto a Victoria de los Ángeles y la Orquesta Sinfónica de Barcelona- al Premio de la Música. En la edición del año 2003, la Academia de la Música volvió a nominar -junto a Plácido Domingo y Jesús López Cobos- a la Orquesta de Córdoba por su CD de los dos Conciertos Triples, de Leo Brouwer y Tomás Marco, como mejor disco de música clásica.

BILBAO ORKESTRA SINFONIKOA

La Bilbao Orkestra Sinfonikoa ofreció su primer concierto el 8 de marzo de 1922 en el Teatro Arriaga, bajo la batuta de Armand Marsick.
Desde su fundación ha tenido como directores titulares a Armand Marsick, Vladimir Golschmann, Jesús Arámbarri, José Limantour, Antoine de Babier, Rafael Frühbeck de Burgos, Alberto Bolet, Pedro Pirfano, Urbano Ruiz Laorden , Theo Alcántara y Juanjo Mena. Desde julio de 2008, Günter Neuhold asume la dirección titular y artística de la Orquesta.
En julio de 2003 la BOS, bajo la batuta de Juanjo Mena, fue invitada por Valery Gergiev para actuar en el Teatro Mariinski de San Petersburgo dentro de las celebraciones del 300 aniversario de la ciudad. Este concierto marcó un hito en la nueva proyección internacional de la Orquesta, que es invitada con regularidad a los Festivales Les folles journées en Nantes y La Roque D'Antheron en Marsella.
Además de sus giras de carácter histórico, la BOS ha actuado frecuentemente en el Auditorio Nacional de Madrid y en la Quincena Musical Donostiarra, así como en el Festival Internacional de Santander, Festival de París, Festival de Música Religiosa de Cuenca y en el ciclo "Orquestas del Mundo" de Ibermúsica. En marzo de 1998 es invitada al concierto de investidura de los compositores Carmelo Bernaola, Cristóbal Halffter y Luis de Pablo como Doctores Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid, interpretando obras de los tres maestros. En 1998 representó a Euskadi en la Exposición Universal de Lisboa, y en 1999 participó en la inauguración del Palacio Euskalduna de Bilbao
La relación de directores que se han puesto al frente de la BOS incluye nombres históricos como los de Enrique Fernández Arbós, Bartolomé Pérez Casas, Ataulfo Argenta, Hans Von Benda, Eduardo Toldrá, Sir Malcolm Sargent e Igor Markevitch y otros como Charles Dutoit, Ros Marbá, García Asensio, Jerzy Semkow, Josep Pons y Aldo Ceccato. Ha sido también instrumento en manos de Maurice Ravel, Jesús Guridi, Pablo Sorozábal, Jesús Arambarri, Krzysztof Penderecki, Carmelo Bernaola, Luis de Pablo, Ernesto y Cristóbal Halffter y otros compositores en la ejecución de sus propias obras.
La BOS, a lo largo de su ya dilatada historia, ha compartido escenario con algunos de los más grandes solistas: José Iturbi, Arturo Rubinstein, Jacque Thibaud, Vladimir Horowitz, Fritz Kreisler, Joseph Szigeti, Henryk Szeryng, Vlado Perlemuter, Mstilav Rostropovich, Salvatore Accardo, Rugiero Ricci, Joaquín Achúcarro, Felix Ayo, Nicanor Zabaleta, Maurice André, Mischa Maisky, Uto Ughi, Narciso Yepes, Alicia de Larrocha, Boris Belkin, Ivo Pogorelich, Jean Pierre Rampal, Viktoria Mullova, Asier Polo, Truls Mork y Frank Peter Zimmermann, entre otros muchos. En el listado de voces figuran nombres como Victoria de los Angeles, Montserrat Caballé, Alfredo Kraus, Plácido Domingo y Luciano Pavarotti, así como la Sociedad Coral de Bilbao, Orfeón Donostiarra y Coro de la UPV.
Dentro de su catálogo discográfico destacan las grabaciones de obras de Arriaga con Jesús López Cobos (1985) y las de las óperas Mendi-Mendiyan de Usandizaga y Amaya y la zarzuela El Caserío, ambas de Guridi, para la casa Naxos. Para esta misma compañía ha desarrollado una interesante colección de música vasca con CDs dedicados a Arambarri, Guridi, Arriaga, Isasi y Sarasate, bajo la dirección de Juanjo Mena.
Además de su temporada de abono en el Palacio Euskalduna, su natural extensión a las poblaciones vizcaínas, la colaboración en óperas de ABAO, y sus giras y salidas, la Orquesta realiza conciertos didácticos desde 1985, iniciativa en la que puede considerarse pionera. Mantiene, además, líneas de colaboración con otras instituciones culturales como el Teatro Arriaga y el Museo Guggenheim Bilbao para la organización de eventos de forma conjunta.
La actividad de la BOS se desarrolla gracias al apoyo de sus numerosos aficionados y a las aportaciones de sus Patronos: Diputación Foral de Bizkaia y Ayuntamiento de Bilbao.

ORQUESTA SINFONICA DE MALAGA

La Orquesta Filarmónica de Málaga (OFM) dio su concierto inaugural el día 14 de febrero de 1991. Nació entonces como Orquesta Ciudad de Málaga, un consorcio entre el Ayuntamiento de Málaga y la Junta de Andalucía, que respondía a la convicción de que una ciudad como Málaga debía contar con una gran orquesta sinfónica.
A lo largo de todos estos años ha mantenido el compromiso de ofrecer a la ciudad música de calidad junto a los mejores directores y solistas del panorama nacional e internacional. En su programación comparten protagonismo las principales obras del repertorio internacional junto a otras apuestas más arriesgadas, sin olvidar los estrenos, en un constante y difícil equilibrio entre lo conocido y plenamente aceptado, y la novedad. Al frente de la orquesta, y su proyecto, cuatro directores titulares han imprimido su propia personalidad: Octav Calleya, Odón Alonso, Alexander Rahbari y Aldo Ceccato. Entre los directores invitados encontramos grandes nombres: Jesús López Cobos, Sergiu Comissiona, Rafael Frühbeck de Burgos, Krzysztof Penderecki, entre otros. Así como tampoco han faltado los solistas de reconocido prestigio: Alicia de Larrocha, Boris Belkin, Alfredo Kraus, Joaquín Achúcarro, Montserrat Caballé, Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez, etc.
Pero la orquesta -denominada Orquesta Filarmónica de Málaga a partir de su X aniversario- ha creído fundamental no limitar su actividad a la programación de abono y ha desplegado entusiastas propuestas paralelas. Además de grabaciones de repertorios de índole muy diversa, y con distintos maestros, hay que destacar la organización del Festival de Música Antigua así como el del Ciclo de Música Contemporánea, especialmente dedicado a la música española de nuestro tiempo, que han ido creciendo año tras año. A ellos hay que añadir un Ciclo de Música de Cámara, paralelo a la programación sinfónica de abono.
Tampoco se descuida la indispensable tarea de formar al público del futuro, y a ello están destinadas las actividades didácticas, en colaboración con el Área de Educación del Ayuntamiento de Málaga.
La Orquesta Filarmónica de Málaga ha cosechado también importantes éxitos en los más renombrados teatros y festivales de nuestro país, así como en varias giras europeas que le han llevado a Suecia, Grecia, Eslovaquia, República Checa y Alemania.
El Ayuntamiento de Málaga le ha otorgado el "Premio Málaga" a la mejor labor musical del año 2001 y la Empresa M Capital su Premio de Cultura, entre otras distinciones de diversas entidades asociadas a la cultura a nivel provincial y nacional.
La SGAE ha concedido a la Orquesta un premio especial en 2007, en reconocimiento a su labor desarrollada en pro de la música española contemporánea.

lunes, 15 de junio de 2009

FRANCIS POULENC (1899-1963)

Compositor, pianista francés y miembro del grupo de compositores conocido como Les Six. Nació en París, y estudió piano con varios profesores de renombre aunque en el estudio de la composición fue autodidacta. Su primera obra Rapsodie nègre (1917) para cantante solista y orquesta de cámara se publicó cuando el compositor estaba en el ejército francés durante la I Guerra Mundial y tenía sólo 18 años. En 1920 Poulenc formó un grupo, denominado Les Six (Los seis), con otros cinco compositores para protestar contra la excesiva influencia de los compositores franceses conservadores como Vincent d'Indy y su Schola Canthorum y contra el impresionismo de Claude Debussy, Maurice Ravel y César Franck. Desde el punto de vista armónico la obra de Poulenc puede considerarse conservadora, ligera, satírica y melódica. En los años veinte su música estuvo muy influida por el jazz bailable tan de moda en París en esa época. Escribió muchas canciones, como el ciclo Le bestiaire (1919), en las que destacaba su capacidad para acompasar la música al ritmo del texto.
Entre sus obras para escena cabe destacar el ballet Les biches (1924) producido por el empresario ruso Sergei Diágvilev, con coreografía de Bronislava Nijinska, la ópera cómica Les mamelles de Tirésias (1946), según un texto de Guillaume Apollinaire, y la ópera dramática Les dialogues des carmélites (1957), sobre texto de Georges Bernanos. Para componer su cantata Figure humaine (1945) Poulenc se inspiró en la Resistencia Francesa a la ocupación alemana durante la II Guerra Mundial. En 1948, en compañía del baritono Pierre Berne visitó Estados Unidos, adonde volvió en 1950. Poulenc es autor asimismo del Concert champêtre (1928) para clavicémbalo y orquesta de cámara, Aubade (1929) para bailarín, piano y orquesta de cámara, así como de obras para piano y para violín. Conviene señalar el profundo cambio que se produjo en la ideología y en la concepción estética de Poulenc a partir de 1924 como consecuencia de varios hechos trágicos. Al compositor aficionado a los ambientes de café-concurso y de circo sucede el músico religioso del Gloria, Stabat Mater y las Letanías para la Virgen negra de Rocamadonor.

domingo, 14 de junio de 2009

ERMANNO WOLF-FERRARI (1876-1948)

Nació en San Barnaba (Venecia) el 12 de enero de 1876, primer hijo de Augusto Wolf, pintor alemán, y Emilia Ferrari, madre italiana. Aunque estudió piano desde muy niño, la música no era la principal pasión de su juventud, sino la pintura, ya que deseaba ser como su padre.
Estudió de forma intensiva en Venecia e incluso viajó al extranjero a estudiar en Múnich y fue allí donde comenzó a pensar seriamente dedicarse a la música. Se matriculo en el conservatorio (1892-95) y comenzó a tomar clases de contrapunto y de composición con Josef Gabriel Rheinberger (1839-1901). Estas clases de música, inicialmente ocasionales, eclipsaron totalmente sus estudios del arte, y finalmente los dejó. A los 19 años, Wolf-Ferrari acabó los estudios del conservatorio y volvió a su casa, a Venecia. Ferrari, que era el apellido de su madre, fue agregado a su propio apellido, Wolf, en ese año 1895 y comenzó a escribir sus primeras composiciones. Trabajó como director de una agrupación coral de Milán, se casó y tuvo un niño. Por esa época pudo conocer personalmente a Arrigo Boito y al gran Giuseppe Verdi.
En 1900, tras fracasar la publicación de dos de sus intentos anteriores, Wolf-Ferrari vio la primera representación de una de sus óperas, Cenerentola, estrenada en Venecia. Fue un fracaso y la humillación le hizo volver a Múnich, donde reelaboró la obra y fue programada al año siguiente, 1902, en Bremen, con el título de Aschenbrödel, con mejor éxito. Esta sería la tónica de muchas de sus obras, que fueron mucho mejor acogidas en Alemania que en su Italia natal: así ocurrió con Le donne curiose (1903), I quattro rusteghi (1906) e Il segreto di Susanna (1909), todas ellas comedias, muy bien acogidas en sus estrenos en Alemania. Su vida estuvo desde esa época dividida entre dos países y dos culturas, que él trato de aunar: tenía la seriedad del alemán y la calma alegre del italiano; amaba el belcanto y el contrapunto; era pensativo, casi filosófico, y tolerante. Pasó su vida entre Múnich y Venecia, en Alemania deseando estar en Italia y viceversa.
En 1903 obtuvo una temprana notoriedad internacional con el estreno de dos de sus obras: la coral La Vita Nova y una nueva ópera, Le Donne Curiose. Ese mismo año fue nombrado, a los 27 años, director del Liceo «Benedetto Marcello» en Venecia. Seis años más tarde terminó su contrato y se estableció en Múnich, donde vivió y trabajó durante los siguientes 35 años apareciendo rara vez en público.

martes, 7 de abril de 2009

K.L.OPERA

K. L Ópera es una agencia de cantantes y productora de espectáculos musicales que comenzó su andadura en 1998. Desde el principio, su objetivo ha consistido en la formación y promoción de artistas españoles.
Como agencia, con el tiempo, se han ido uniendo a nuestra agencia solistas internacionales de gran solvencia y hemos ofrecido nuestros servicios a teatros como La Scala de Milán, Teatro Massimo de Palermo, Teatro Bellini de Catania, Teatro San Carlo de Nápoles, Teatro Sao Carlos de Lisboa, Festival Rossini de Pesaro, Walles Opera, Ópera de Washington, además del Teatro Real de Madrid, Gran Teatro del Liceo de Barcelona, Teatro de la Maestranza de Sevilla, Teatro Les Arts de Valencia, Teatro Euskalduna de Bilbao, Teatro Campoamor de Oviedo y otros teatros españoles.
Como productores, hemos apostado siempre por la diversidad en nuestros proyectos, tanto en cuanto a la temática como a la dimensión de los espectáculos. Podríamos destacar de todos ellos la producción de la ópera Norma en el Festival Clásico de Mérida; la recuperación y producción de la ópera Don Chisciotte de Manuel García, con la participación de la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales y la Empresa Pública Don Quijote 2005, cuyas funciones se realizaron en el Teatro de la Maestranza de Sevilla y en diversos teatros de la Red de Teatros de Castilla-La Mancha y la recuperación de Curro el de Lora, del maestro Alonso, con la RTVE y su posterior salida al mercado en formato CD y DVD. Estos dos últimos años hemos paseado por la geografía española el espectáculo Las mujeres de Puccini y hemos avanzado con Morir por amor, ambos espectáculos de gran nivel, con solistas y orquestas de gran prestigio, dirigidos tanto a operófilos como a público general.

CRITICAS A NUESTRA EMPRESA
Críticas a esta productora sobre Don Chisciotte de Manuel García:
Edición crítica y dirección musical: Juan de Udaeta. Dirección de escena: Gustavo Tambascio. Con Rufus Müller, Javier Galán, Cristina Obregón, José Julián Frontal, Manuel Beltrán, Jon Plazaola, Sonia de Munc, Marina Pardo, Juan Pedro García Marqués, Pedro Farrés, Aurelio Puente y Tomeu Bibiloni. Orquesta de Cámara Galega, Coro Intermezzo. Colaboración especial: Teresa Berganza. Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, Comunidad de Castilla-La Mancha. Teatro Municipal, Tomelloso, 12 de noviembre.

El cultiberio El confidencial, sábado 19 de noviembre de 2007.
…Después de semejante paliza, (Juan de Udaeta) tira de teléfono y pone en danza a Teresa Berganza, a la inmensa Susana Lozano, de KL Ópera, a Tambascio, a la SECC con Arturo Reverter, a las autoridades culturales de Castilla-La Mancha, a la Biblia en verso. Y, por último, se sube al podio y dirige el estreno de Don Chisciotte con una brillantez inexplicable, porque las fuerzas humanas son las que son y, que se sepa, la poción mágica de Astérix no pasa de ser, hoy por hoy, un proyecto científico aún no logrado.

Gonzalo Alonso. El Cultural. Noviembre 2005
…Días atrás saltaban a las páginas de espectáculos de toda la prensa las imágenes de la ópera de Manuel García Don Chisciotte, obra realmente interesante, del compositor, maestro y cantante sevillano… Estamos ante una ingente labor, muy de agradecer, para tan poco espacio de tiempo que realizan verdaderos entusiastas como Emilio Casares o Susana Lozano y tantos otros.

Francisco García Rosado. Opera Actual. Noviembre 2005
…Con motivo del IV centenario de la publicación de la primera parte de El Quijote, se ha podido conocer este Don Chisciotte, opera del prolífico compositor y maestro de canto Manuel García, de factura importante e innegable interés, gracias al trabajo de Juan de Udaeta y al empeño vocacional de la promotora artística K.L.OPERA, es decir, Susana Lozano…

Andrés Moreno Menjíbar. Opera Actual 7 de abril de 2006
…Con el rodaje previo de las cuatro representaciones manchegas del pasado noviembre, la producción de K.L.OPERA tuvo en Sevilla su verdadera puesta de largo


Sobre Curro el de Lora de Francisco Alonso:
J.J.Frontal, E.Matos, R.Rosique, A.Puente, T.Bibiloni, E.Fernández, P.Valladares. Coro y Orquesta de la RTVE. J.de Udaeta. Teatro Monumental. Madrid, 8 de septiembre.

Gonzalo Alonso. La Razón. 09-09-2007
Una zarzuela injustamente olvidada
Hay que agradecer a Susana Lozano (K.L.Opera) la labor que está realizando de recuperación de partituras de nuestro acervo y de la que han salido frutos tan meritorios como el “Quijote” de Manuel García. “Curro, el de Lora” es una zarzuela grande estrenada en el Apolo en 1925 y de la que sólo se ofrecieron quince representaciones.

Manuel García Soto. Scherzo noviembre 2007
…una historia de amores y bandidos que transcurre en su Andalucía natal, que se estrenaría con más pena que gloria en la temporada 1925 (29-X) y que hoy, gracias a la perseverancia de la familia del compositor, a la productora que dirige Susana Lozano y a la buena disposición de la Orquesta de la RTVE, se ha logrado recuperar y volver a estrenar, desde entonces, en versión de concierto, esta página que muestra toda la dignidad y mérito que en su momento no supo apreciarse.